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martinbarreiro

“LORENZACCIO” de A. de Musset

“LORENZACCIO” de A. de Musset

Duración estimada: 1h 45m

Propuesta artística:

Lorenzaccio de Musset es, sin lugar a dudas, la obra maestra del teatro romántico en prosa. Pero Musset no era romántico. Había en él mucho que lo acercaba al realismo. De allí el gran ostracismo que sufrió esta obra, escrita en 1834 y estrenada recién en 1896, 62 años después de su creación y 39 años después de la muerte del autor. Su trama coincide de manera apabullante con nuestra realidad y se erige como el medio adecuado para comprender que la trascendencia de algunos textos está siempre ligada a su íntima relación con la vida.

Pondremos en escena Lorenzaccio porque nos invita a reflexionar, y no lo hace por caminos trillados, sino que nos obliga a buscar formas propias que se relacionen con el texto y lo logren comunicar. Pero en el teatro esa comunicación hace referencia a códigos y, lamentablemente, hoy estamos saturados de códigos. Por eso buscamos; más que comunicar,  interactuar con el espectador. Y en nuestra propuesta la interacción tiene que ver con el movimiento, con el desplazar e incluso subvertir códigos y mecanismos codificadores, para desentrañar la visión de la verdad humana que nos entrega Musset, tan eterna como independiente.

La trama de la obra.

La Florencia del s.XVI (1536) estaba dividida por corrientes contrarias. Por un lado el amparo del emperador Carlos (I de España y V de Alemania), que sostenía al Papa y a los pequeños principados italianos; por el otro, los republicanos, que abogaban por la restauración de la constitución republicana y estaban apoyados por el rey de Francia, Francisco I. Después de la derrota que los republicanos sufrieron en un alzamiento contra el poderío de la familia  Medicis (vitalicios en Florencia), el emperador y el Papa  colocan como duque de la ciudad a Alejandro, un medio Medicis, despótico y cruel. Lorenzo de Medicis, para liberar a su patria de su primo, decide atraerlo convirtiéndose él mismo en su imagen y frecuentando los mismos ambientes de depravación. Pero Lorenzo acaba corrompiéndose, matando sólo por odio y dejándose matar. Hasta aquí los hechos históricos. Musset recrea esa Florencia fragmentada y la refleja en los personajes. Lorenzo actúa por necesidad y por necesidad se revuelca en la idea del crimen con el que liberará a su patria. Es por necesidad que añora su pasado y es por necesidad que lo anula de su presente. La necesidad, que es enigma de la existencia, es lo que Lorenzo persigue con desesperación. No se dejará morir hasta que ese enigma se le revele. Frente a él, y como en un espejo grotesco,  se refleja Alejandro, pero el espejo se parte en pedazos, y en cada uno de ellos distinguimos a los otros personajes de la obra. Ellos se reflejan en estos dos Medicis, pero todos reflejan a Florencia. Así pues, asistimos al duro parto de una sociedad que se venía gestando dentro del inmenso vientre de la corrupción. Y en lugar de nacer llorando, lo hace con un grito desesperado. Musset, que veía claramente todos los vicios y lacras de la realidad y que no creía en la posibilidad de eliminarlos, y ni siquiera de remediarlos, nos entrega una obra  impregnada de un pesimismo irónico; pero también, llena de una poesía profunda y conmovedora.

Criterios de la adaptación:

1) Centrar el interés en la fragmentación de la obra.

Algunos textos fueron omitidos, intercalados o rehechos para destacar ese mundo fragmentado, pero ofreciendo una visión más compacta de la trama. La idea es hacer comprensible el discurso, pero sin renunciar a él.

2) Dar al discurso una forma definida.

El discurso de la obra está ahora en boca de personajes que la adaptación crea (Máscaras). La finalidad es liberar el pensamiento de los personajes centrales, creándoles un marco adecuado donde exponerlo.

3) Privilegiar la vorágine de la obra.

La omisión y alteración de algunas escenas fueron hechas para privilegiar la vorágine de la obra, que lleva a los personajes de manera vertiginosa al final. Es allí donde la puesta necesita que el drama tenga una estructura propia y que no traicione al original.

4) Encauzar los elementos que le den al drama una estructura propia.

La supresión de algunos textos, la alteración del orden de algunas escenas, la fusión de algunos personajes y la creación de otros, están originados por la idea de puesta y a ella están supeditados. Los criterios de esta adaptación encuentran sentido pleno en la puesta en escena.

Criterios de la puesta en escena.

El mundo fracturado de la Florencia del siglo XVI está representado por las máscaras, que a su vez se transforman en múltiples personajes, dando vida al ambiente fragmentado que invade toda la obra. Ellas, que en la puesta estarán representadas por dos actores y dos actrices, permanecen mucho tiempo en escena. Su campo de acción se expande a medida que avanza la trama, generando movimientos, construyendo estructuras casi escenográficas que reciben, expulsan o contienen a los otros personajes, evocando al arte escénico del renacimiento, medieval y grecolatino; es decir, los escenarios simultáneos, el truco escénico, el cuadro vivo, el coro.

ESCENOGRAFÍA

El trabajo de nuestra compañía es en cámara, dando realce a la idea del autor y a la puesta. El escenario, despojado, sólo es trastocado por una larga tarima al fondo del escenario, constituyendo un primer nivel. El escenario mismo como segundo nivel y, al fin, un tercer nivel delineado por dos estructuras escalonadas fuera del escenario que avanzan a la platea y que divide, a su vez, la escena, así como el rio Arno divide Florencia.

VESTUARIO

El diseño del vestuario busca generar códigos actuales, sin perder el condimento histórico. Los únicos personajes que llevarán trajes de época son Lorenzo y el Duque. El resto del elenco usará largos trajes, de color negro, inspirados en las togas griegas, que aspiran construir, en oposición a los protagonistas, un bloque, el mundo que ellos van a fragmentar. Estos trajes llevarán complementos de diversos colores que los diferencien entre sí y que remarquen las características de los personajes, guardando cierta historicidad que los una a los dos personajes centrales.

ILUMINACIÓN

El plan de iluminación centra su búsqueda estética en el claroscuro. La utilización del color es fundamental para potenciar el contraste fondo-primer plano, fortalecer el "cuadro vivo", dar relieve a personajes y escenas.

BANDA SONORA

La  composición musical de la puesta parte de una decisión: habrá melodías mezcladas con una partitura de percusión, tocada en vivo. La idea es generar el clima de suspenso que exige la obra, inclusive los mismos actores generarán sonidos con sus pies, sus manos y sus voces.

 

 

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